Según mis noticias, también llegará al corazón de Nueva York, a Broadway, donde estaba previsto el estreno hace unos meses, el musical Pure Country, que podría hacerse un hueco en la meca de los grandes musicales (y seguramente mi  amigo y admirado Alfredo N., si tiene la oportunidad, no se lo perderá).

La historia está basada en la película que protagonizó George Strait en 1992, uno de los mejores cantantes de country tradicional. Y de una buena película, como fue esta, y que conservo en mi poder, hicieron este año una segunda parte, que al decir de quienes la vieron, resultó ser decepcionante, así que, mejor centrarse en la primera que se hizo, que fué la buena.

En Pure Country, los bellos acordes de Heartland (http://www.youtube.com/watch?v=dtszCZQaLKE ) abren paso al filme, interpretado con bastante acierto por George Strait, Lesley Ann Warren e Isabel Glasser. Esos acordes con sabor tradicional se mezclan con unos sencillos versos en Heartland:

 “Cuando oyes violines y guitarras electricas

estás escuchando el sonido del corazón  americano

y la música country del sábado en la noche

hace que aparezca una sonrisa en tu cara

y una lágrima en tus ojos..”

Esta canción, por cierto, llegó hasta el nº 1. A modo de breve resumen del film, su protagonista, un George Strait cansado del humo, de las luces de neón y del artificio que se monta en unos escenarios enormes, muy alejados del público, que difícilmente puede escuchar las canciones, decide hacer una escapada a su pueblo de Texas, donde prácticamente es un desconocido, comprobando que nada había cambiado.

Allí, en el pueblo donde comenzó a cantar, junto a su vieja guitarra, sin humo, sin luces, sin amplificadores, no se siente una “gallina bailarina”, sino que, como ha sido siempre, vuelve a sentir que sin las letras no hay canción, y que sin necesidad de extravagancias, podía disfrutar cantando.

Naturalmente, en ese lugar, encuentra a una rancherita, algo desconfiada, con brillo en sus ojos. Conversaciones cortas y largas miradas, hicieron el resto y no sigo mas para que el que quiera pasar un buen rato, pueda ver esta película tranquilamente, y escuchando muy buena música, pues con motivo de este filme, editaron un CD, con el mismo título, “Pure Country” que contiene canciones como “I Cross My Heart”, la cual, también llegó a ocupar el nº 1 en las listas, y que tiene versos como estos:

http://www.youtu.be/DLkSfdn4z1g

 “Nuestro amor es incondicional

Lo supimos desde el comienzo

Puedo verlo en tus ojos

Y tu puedes sentirlo en tu corazón

Desde aquí en adelante

Sigamos como estamos ahora

Y compartamos todo el amor

Y la alegría que la vida nos permite

Con todo mi corazón

Yo te prometo

Que daré todo de mí

Para hacer realidad todos tus sueños

En todo el mundo

Tú nunca encontrarás

Un amor tan verdadero

Como el mío”

Bien, espero que todo aquel que pueda ver esta primera película, Pure Country, disfrute con ella y con las muchas canciones que se pueden escuchar en la misma. Y no se muy bien porqué, este film me recuerda también una bellísima canción de otro George, pero de apellido McCurn, llamada “I’m Just a Country Boy”, una auténtica obra maestra, en la cual nos relata la soledad del vaquero que tan solo tiene plata en las estrellas y oro en el sol de la mañana, es decir, una muestra de la poesía de la gente sencilla, como es la música country.

Os deseo un buen mes de Diciembre a todos.

Las iniciales WSM representan “We Shield Millions” (“protegemos a millones”), y a G. Hay le ofrecieron el puesto de director de la nueva emisora, oferta que aceptó. Desde un principio, G. Hay orientó con gran acierto la programación musical para que atrajera la atención de las áreas rurales y alejadas -particularmente hacia el sur- emitiendo una selección de viejas melodías tocadas por un viejo fiddler de 77 años, llamado Uncle Jimmie Thompson, acompañándole con el piano su sobrina Eva Thompson.

El programa, rápidamente se hizo popular entre sus oyentes y Hay decidió formar un elenco de artistas locales para el show. Eran músicos amateurs, que actuaban sin ser remunerados, hasta que un año más tarde llegó la primera gran estrella, Uncle Dave Macon, un cantante de 56 años que tocaba el banjo, el cual permaneció en el elenco del Opry hasta su muerte, en 1952, cuando tenía 81 años.

Fueron surgiendo nuevas estrellas como The Delmores, Little Jimmy Dickens, Pee Wee King, y Roy Acuff. La relevancia del Opry fue tal que grandes empresas como Reynolds Tobacco comenzaron su patrocinio, trasladándose la emisora a otros estudios más grandes, hasta llegar al Ryman Auditórium, construido en 1882 por Tom Ryman, el capitán de un barco de rio, y que desde entonces, este sagrado recinto, todo un emblema de la música country, ha sido varias veces reformado.

Muy pronto, el nombre del programa paso a llamarse “Grand Ole Opry”. Eso fue un día en que iba a actuar en el show D. Baileys, con su armónica, cuando George D. Hay, al anunciar su actuación, declaró a modo de parodia: “En la hora pasada hemos estado escuchando música tomada de la Gran Opera. Desde ahora, presentaremos el Grand Ole Opry” . Y de esta forma, el nombre quedó para siempre.

En su larga historia, llegaron y se fueron grandes artistas, como Ernest Tubb; igualmente, Pee Wee King y Bob Wills fueron los primeros en utilizar los tambores o batería, pues hasta entonces, no se permitía utilizar más que instrumentos acústicos, no de percusión.

Elvis Presley sólamente actuó una vez en el Opry, sin impresionar en absoluto a la audiencia, y otro dato anecdótico es que Stonewall Jackson fue el primer cantante que grabó un concierto en vivo en el Opry, mientras que el artista que estuvo más tiempo actuando en el Opry fue Bill Monroe, seguido de la comediante Minnie Pearl, una mujer de reconocida inteligencia al decir de quienes la conocieron de cerca.

La última casa del Opry, construida en 1974, se encuentra a pocas millas del centro de Nashville, en Opryland, todo un complejo temático, dedicado a la música country. Desde todos los países del mundo, los turistas visitan y asisten a los shows que allí tienen lugar, dos noches por semana, siendo para muchos una especie de peregrinación a lo que se considera como el corazón y el alma de la Country Music.

Este nuevo establecimiento del Opry se encuentra rodeado de cuidados jardines y al pasear por allí, tienes la agradable sorpresa de escuchar música country y su sonido salía desde unos pequeños altavoces ocultos entre los setos de esos jardines. Es algo realmente delicioso sentarse en alguno de los bancos de esos paseos ajardinados y oir una bonita cancion de Dolly Parton, como me sucedió a mi.

Los nombres más influyentes en este negocio consideran que pertenecer al club del Opry es un tremendo honor, aún reconociendo que la importancia para la promoción de la carrera de un artista ha disminuido en los últimos tiempos. Pero el Opry representa la historia de la música country y ser miembro de ese club supone para un artista ser reconocido como una parte de esa historia.

Un ejemplo lo tenemos en Garth Brooks. Preguntado en cierta ocasión cual había sido el momento más grande de su carrera, la superestrella dijo, sin dudar, que el participar en el Opry. De igual forma, cuando Conway Twitty cantaba cariñosamente “The Grandest Lady Of Them All”, pudo pensarse que se refería a Loretta Lynn, pero se estaba refiriendo a lo más sagrado de Nashville, el Grand Ole Opry. Podemos escuchar esta canción-homenaje, al tiempo que se pueden ver pasar por el vídeo otros grandísimos artistas del Opry.

http://youtu.be/tIpGILQtAxQ

Sin embargo, curiosamente, hay varios artistas que no tenían ningún interés por pertenecer al siempre selecto club del Opry. Uno de ellos fue Buck Owens, fundamentalmente, cómo no, por motivos económicos -decía que pagaban muy poco, y el honor de actuar en este lugar no le motivaba- , y otro fue Merle Haggard, curiosamente, ámbos artistas de la costa oeste. Pero Merle Haggard no se refería al dinero, sino que esgrimía como principal argumento, su convencimiento de que el Opry era un negocio en el que no se reconocía debidamente al artista con talento, y en esto no le faltaba razón.

Otro caso que llama la atención es el de Conway Twitty, que nunca llegó a ser miembro del Ole Opry, a pesar de que en varias ocasiones se lo propusieron, pero rehusó debido a que no podía cumplir con los compromisos y requerimientos que ello significaba.

El Grand Ole Opry, con su historia y lo que representa, y su sensacional acustica, sigue siendo, no obstante, el recinto en el que todos los que son “alguien” en el mundo del country, o aspiran a serlo, desean subir a su escenario, y sentir el cariño y admiración de los fieles seguidores del country que dos o tres veces a la semana llenan y se dan cita en este lugar fascinante. Desgraciadamente, el country urbano promocionado por los sellos discográficos es ya demasiado numeroso en el “booking” del Grand Ole Opry.

A su padre le costó lo suyo, pero al fin se pudo comprar una radio Philco para poder escuchar el programa del Opry, y su hijo, que por entonces no escuchaba más que los habituales blues y canciones gospel de los trabajadores negros que recogían algodón en su pueblo, en Mississippi, comenzó a conocer la musica country y a los que por entonces eran habituales en el Opry, como Roy Acuff y Ernest Tubb. El padre de Charley Pride era un gran seguidor de ese programa y de los que acostumbraban a escribir y solicitar fotos de las estrellas del mismo. Tal vez por esto, Ralph Emery, un famoso presentador del Grand Ole Opry (y que estuvo casado con Skeeter Davis), afirmó que Charley Pride llegó al country gracias a una radio Philco.

A Charley le gustaba jugar al baseball y era muy buen jugador, con talento, hasta el punto de que se trasladó muy lejos, a Helena, en Montana, para jugar en la Pioneer League. Pero Charley tenía otro talento diferente: podía cantar country, y eso fue lo que hizo.

Durante uno de los conciertos en Helena, el promotor preguntó a Charley si se atrevía a cantar entre la actuación de Webb Pierce y Red Sovine. A partir de ahí, le invitaron a ir a Nashville, donde quedaron tan encantados con su forma de cantar como sorprendidos por el hecho de que un negro pudiera cantar country. Jack “cowboy” Clement, que tenía un alma un tanto rebelde, rápidamente simpatizó con el y le presentó a Chet Atkins, uno de los principales ejecutivos de la RCA. Era el año 1966 y en la RCA comenzaron a promocionarle, pero eso si, sin fotos en su primer disco, no fuera que al ver que era negro, tuviera un rechazo inicial tan solo por su color.

Así pues, muy poca gente sabía que era negro. Había un show en Detroit, y Charley estaba en el cartel. Tras la actuación de Curley Fox, un virtuoso del fiddle, la multitud ya comenzaba a enardecerse. Cuando todavía sonaban los últimos aplausos, presentaron a Charley Pride, de esta forma: “Damas y caballeros, tenemos un viejo amigo del sur, que ha llegado desde Sledge, Mississippi. Es un paisano nuevo en RCA y ya tiene un sencillo “Snakes Crawl at Night”. ¡Demos una gran bienvenida a  Charley Pride!”.

Charley caminó por el escenario con su guitarra a la espalda y los aplausos murieron rápidamente ante lo que estaban viendo los asistentes y la sorpresa que se llevaron, al ver que se trataba de un cantante de color. Ante esta situación, Charley se manejó con una asombrosa sencillez y acierto: Dejó su guitarra al lado y puso sus brazos sobre ella, como si estuviera descansando sobre una mesa. “Me doy cuenta que tengo este bronceado permanente”, dijo sonriente, y añadió “Pero quiero cantar ante ustedes, si me dejan”. No hubo ningún rechazo, cantó hasta 6 canciones y cuando finalizó, todos le aplaudieron, eso si, no tanto como a Curley Fox pero fue una buena acogida. Charley Pride les hizo cambiar de opinión desde ese dia: un negro puede cantar música country.

Esta “aparición” en la música country de Charley Pride sorprendió y no poco a otros interpretes del momento. Por ejemplo, Mel Tillis dijo en cierta ocasión, y sin ningún asomo de racismo, que estaba sorprendido de que Charley Pride supiera más sobre Roy Acuff y Hank Williams que sobre Brook Benton y Sam Cooke.

En una entrevista con Ralph Emery, sobre la cuestión del racismo en el country, Charley Pride decía que al comienzo de su carrera, se referían a el como cantante “de color”, y después, en la mitad de los 70, se referían como “negro”, pero que el racismo era más una cuestion situacional, o sea, del sistema, que de las personas. Sin embargo, lo cierto es que Charley Pride, en el año 1969, se trasladó de Nashville a Dallas en parte por consideraciones raciales.

Para terminar, hablemos de música y de canciones, aunque a todos los que les gusta el country conocen sobradamente a Charley Pride y sus canciones más emblemáticas. Pero, por ejemplo, voy a citar una curiosidad. Y es que, a pesar de que casi llegó a tener 30 numeros uno en las listas de country, una de sus canciones más conocidas, “Crystal Chandelier”, nunca llegó a editarse, comercialmente,  como un sencillo. También merece destacarse el hecho de que dos de las canciones más famosas de Hank Williams, “You Win Again” y muy especialmente “Honky Tonk Blues” que no alcanzaron el nº 1 por el gran Hank, Charley Pride lo consiguió con las versiones que hizo de las mismas. Una de sus exitos que más me gustan es este: http://www.youtube.com/watch?v=Jr3o7KPh8LE

Antes de marcharse Keith a uno de sus tratamientos para intentar combatir su alcoholismo, Keith compuso una canción para su esposa Lorrie Morgan, y se la dejó escrita en un papel para que lo abriese cuando el no estuviera.

Se trataba de “Tell Lorrie I Love Her”, toda una auténtica declaración de amor, una canción también llena de tristeza, mezclando sus temores ante la posibilidad de perder algún dia a su querida Lorrie, debido a sus problemas con la bebida. Lorrie se emocionó profundamente, que se comprende bien al leer lineas como esta:

“Tell Lorrie I love her

Tell Lorrie I need her

And if leave this old world

Tell her she’s the only girl for me”

Después del funeral de Keith, su amigo Curtis Young (muy conocido por hacer acompañamientos musicales en las grabaciones de muchos intérpretes y por eso tenía el apodo de  “Mr. Harmony”), entregó una cinta a Lorrie y la dijo: “Toma, pensé que debias tener esto”. Era precisamente la cinta de “Tell Lorrie I Love Her” que Keith había grabado para Lorrie justamente antes de su viaje a Hazelden para seguir un tratamiento contra el alcoholismo.

Lorrie Morgan, después del fallecimiento de Keith, tuvo otros matrimonios y relaciones, pero en su corazón, Keith Whitley siempre ocupó un lugar preferencial, y nunca pudo olvidarle. Lorrie y Keith tuvieron un hijo, llamado Jesse, que también se ha metido en este negocio de la música, aunque sin éxito, al menos, de momento.  Y al comentar esto, veo la diferencia con otra hija de ilustres, como es Georgette Jones, que acaba de editar un nuevo CD, llamado “Strong Enough To Cry”, que es soberbio y altamente recomendable.

Pero en el caso de Jesse, el que no haya podido seguir los pasos exitosos de sus padres, suele suceder y no es novedoso. Sin embargo, para mi, lo que resulta muy emotivo es el video que puede verse en el enlace   http://www.youtube.com/watch?v=cxS-WxmQtyE , con motivo de esta canción, interpretada por Jesse K. Whitley, que compuso su padre, dedicada a su madre y que tanto significado tuvo para ella.

Lo especial y emotivo de esta actuación es contemplar a Jesse cómo, antes de comenzar a cantar esa canción (unos 20 años después de la muerte de su padre), desde el propio escenario se dirige a su madre para que estuviera cerca, para que le acompañase, para que escuchase de cerca esa canción. Y Lorrie así lo hizo, sin llegar a cantar.

La canción no es gran cosa. Por otra parte,  si juzgamos por este video, en mi opinión, sería un milagro que Jesse pueda llegar algún dia a cantar como su padre, a tenor de su interpretación, bastante pobre, todo sea dicho. Inclusive, da la impresión de que Lorrie Morgan parece darse cuenta de ello.

Pero los sentimientos y emociones son difícilmente controlables. Naturalmente, para Lorrie fue un momento de máxima emoción y no es extraño que a Lorrie Morgan se le escaparan algunas lágrimas sin apenas poder articular palabra. Una Lorrie, con un aspecto fantástico, en una esplendida y maravillosa madurez, como es fácil de observar.

Así fue como su padre, George Morgan, miembro habitual del Grand Ole Opry (y que pasó a la posteridad con su enorme éxito “Candy Kisses”, en 1949), durante su propia actuación, anunció personalmente a su hija, Lorrie, que entonces tan solo tenía 13 años. Y cantó “Paper Roses”, una conocida canción de Marie Osmond, pero de tan nerviosa que estaba, cantó el segundo verso dos veces, olvidándose del primero de la canción. Era el año 1973. 

Lorrie, cuyo nombre completo es Loretta Lynn Morgan, estaba muy unida a su padre, y siendo muy joven cuando lo perdió, en aquella ocasión y como homenaje, tuvo fuerzas para cantar una canción de Cat Stevens “Morning Has Broken”, realmente todo un himno, que agradece la paz y belleza de cada nuevo dia que Dios nos da.

En sus comienzos, antes de llegar su primer éxito, Lorrie comenzó cantando en un estilo muy country, muy parecido al de Tammy Wynette, pero tuvo que cambiar, pues el manager general de su casa discográfica decía que era demasiado country, y eso, en Nashville, paradójicamente, era considerado el más terrible de los pecados (y todavía más en la actualidad), pero el negocio es el negocio. Y tuvo que cambiar a un estilo country más urbano.

Lo cierto es que Lorrie Morgan es una mujer con una voz un tanto “smoky” y muy versátil, capaz de cantar country y también pop. Por otra parte, la canción que hizo tan famoso a su padre, “Candy Kisses”, también fue interpretada por ella en numerosas actuaciones, incluso en la actualidad cuando ya se encuentra en una esplendida madurez y además, en su versión suena muy bien, y para nada se nota que se trata de un éxito de 1949  (http://www.youtube.com/watch?v=bRctHXXw2gs ), como puede comprobarse en este video sobre su actuación en el Country Music Festival de  Silkeborg (Dinamarca), muy recientemente, el 12 Agosto de 2011.

Su primer éxito le llegó con “Dear Me”, en el año 1986, una canción con una pequeña historia que dejaré para otra ocasión. No es Lorrie, ni mucho menos, una de mis favoritas. Tampoco creo que haya sido considerada una super-star, aunque ha tenido éxitos importantes, como “Out of your Shoes”, “Five Minutes” y “What Part Of No”. Sin embargo, Lorrie fue esposa y viuda nada menos que de Keith Whitley y eso supone un magnetismo al que es difícil  resistirse, máxime, cuando lo último que he escrito en este blog ha sido precisamente, sobre Keith, y por extensión, parece obligado contar algo sobre ella.

Lorrie se casó muy pronto, con un músico recién contratado para sus actuaciones, llamado Ron Gaddis, quien posteriormente también llegó a formar parte de los músicos de George Jones. Después de su decepción con este este matrimonio, que fue algo así como el despertar una mañana y encontrar que la vida no se parece en nada a lo que uno ha soñado, apareció en su vida Keith Whitley, cuando todavía era un desconocido en el negocio de la música. Después llegarían otros, pero fue Keith quien verdaderamente cambió su vida.

Cuando conoció Lorrie a Keith no sabía el problema que éste tenía con la bebida. Intentó ayudarle por todos los medios, pero no obtuvo el resultado deseado pues con frecuencia le tuvo que llevar al hospital por su grave estado después de sus excesos. Y en una de esas ocasiones, en que Lorrie estaba de viaje para una actuación, Keith falleció en su casa, por una sobredosis etílica que le dejó inconsciente, tras la cual no llegó a despertar.

El golpe para Lorrie Morgan fue terrible, y a pesar de que después tuvo no pocos affaires -algunos con famosos personajes- y muchos fracasos matrimoniales, el recuerdo de Keith Whitley, quien pese de sus problemas con la bebida siempre se portó muy bien con ella, permaneció en su corazón. Juntos llegaron a cantar ‘Til a Tear Becomes a Rose, http://www.youtube.com/watch?v=VM0ZwARyvgA una canción que tuvo muy buena acogida en las listas.

En el terreno sentimental, Lorrie Morgan no tuvo mucha suerte y especialmente, sus mayores disgustos la llegaron después de perder a Keith, resintiéndose su estabilidad emocional de forma alarmante. Otro de sus matrimonios fue con un cantante bastante reconocido en aquellos momentos, un gran vocalista y con grandes éxitos, como fue Sammy Kershaw, con quien tuvo fuertes y frecuentes peleas, y terminó en fracaso, como otros anteriores.

Es recurso habitual de la música country cantar sobre frustraciones, soledad, engaños y rupturas sentimentales. La propia realidad, las experiencias personales y los sentimientos albergados, se reflejan frecuentemente en las letras de muchas canciones. En este sentido, Lorrie podría hacer un acopio ingente de argumentos para escribir sus propias canciones y, tal vez por eso, acudió a su reserva sentimental para escribir y cantar su canción “If You Came Back From Heaven” (ver enlace http://www.youtube.com/watch?v=-j0_NrqkQ5w ), que sin embargo pasó de puntillas por las listas, pero con líneas como estas:

 Oh, if you came back from Heaven
It would freeze me in my tracks
And I hope God knows, if He let you go
I’d never send you back
Do your kisses feel the same
Do you still have the same touch
And will you whisper softly
‘Cause you’ve missed me so much

Lorrie Morgan tuvo muchas críticas cuando después del funeral de Keith Whitley, un viernes, ella cantó al dia siguiente en el Fan Fair de Nashville. También se llegaron a comentar en tabloides, como el “Star”, no pocas historias inventadas, pero es un precio que la fama hace pagar.

Keith y Ricky eran grandes amigos, iban con sus perros a cazar y cantaban juntos constantemente: sus voces armonizaban y se mezclaban perfectamente de manera natural. Se hicieron llamar “The Lonesome Mountain Boys” y solían cantar y tocar canciones de los Stanley Brothers, sus músicos favoritos, con quienes más tarde llegaron a actuar en diferentes festivales e inclusive formaron parte de su grupo, en 1970, participando en la grabación de algunos albumes, entre ellos “Crying From The Cross”, elegido álbum de bluegrass del año, en 1971. Ricky y Keith tenían, por aquél entonces, poco más de 15 años.

Keith Whitley tenía un perfecto dominio de su voz; llegó a ser tan distintiva casi como lo era la de Patsy Cline, o Merle Haggard. Sin embargo, le costó encontrar su propio estilo,  tal vez debido a que en las emisoras de radio decían que Keith era demasiado country. Eran los tiempos del cross-over, es decir, de Ronnie Milsap, Eddy Rabit, Cristal Gayle, etc.

Aparte de su enorme talento como músico y su personal estilo vocalista, también demostró sus dotes como compositor, con canciones que otros llevaron al éxito como George Strait con “Does Forth Worth Ever Cross Your Mind” (nº 1 en 1984). Keith Whitley escribió tambien “Hopelessly Yours”, una canción que también grabó nada menos que el gran George Jones, y honestamente, no sabría decir cual de las dos me gusta más.

Como intérprete, la canción con la que realmente se dio a conocer fue “Miami My Amy” en 1985, pero no tuvo continuidad. Hasta que en 1988 sorprendió con una canción magistral, “Don’t Close Your Eyes”, que alcanzó los máximos honores, y como es fácil comprobar en el enlace http://www.youtube.com/watch?v=8h_OO_rb53c es una de esas canciones que te emocionan siempre que la escuchas. En mi personal consideración, es una canción que la situaría entre las 10 mejores de la historia del country.

Después de “Miami My Amy”, Keith vivió un periodo de letargo. Resulta muy curioso que en su sello discográfico pensaran que con la voz de Keith  sería más aconsejable regresar nuevamente a un country más rural. Y llamaron a Garth Fundis, que había trabajado con Don Williams para grabar un nuevo álbum, llamado precisamente Don’t Close Your Eyes, del cual separaron tres sencillos, todos los cuales llegaron al nº 1 en las listas.

Precisamente esas otras grandísimas canciones, fueron “When You Say Nothing At All” y también “I’m No Stranger To The Rain”, con la cual consiguió de la CMA el premio “sencillo del año”, pocos meses después de fallecer por una sobredosis etílica. Él solito, a fuerza de beber, acabó con su vida, cuando se encontraba en su mejor momento musical.

El gran problema de Keith fue su adicción a la bebida. Su bebida favorita era el vodka, pero en cuanto se tomaba dos cervezas ya estaba ebrio. En cierta ocasión, Keith decía: “Mucha gente no lo sabe, pero lo cierto es que cada vez que subo al escenario, estoy asustado”. Eso también fue un inconveniente para poder abandonar su adiccion a la bebida, algo que adquirió siendo muy joven, cuando vivía en su pueblo montañoso de Kentucky, cuya principal distracción consistía en darle a la bebida, como hicieron su padre y su hermano mayor. Su esposa, Lorrie intentaba una y otra vez ayudar a Keith a dejar esta adicción, sin conseguirlo.

Era una  persona dulce, cariñosa y muy emocional. Una de sus pasiones era subir y pasear en una Harley Davidson. Tras su muerte, su viuda Lorrie la donó al Country Music Hall Of Fame.

Hoy en dia, Keith Whitley es una leyenda dentro de la música country, pese a morir muy joven, en mayo de 1989, cuando tan solo tenía 33 años. Prueba de ello es que no faltan personas que expresamente visitan ese pueblo casi perdido en las montañas de Kentucky, llamado Sandy Hook, donde vivó y creció este gran talento de la música, que murió prematuramente por no saber reconocer su gran problema con la bebida, un problema que pensaba que podría gestionar por si mismo, sin conseguirlo.

Esto me ha hecho recordar situaciones parecidas dentro de la escena de la country music. Por ejemplo, en una muy recomendable película hecha sobre Johnny Cash, titulada en castellano “En la cuerda floja”,  estaba Johnny en el escenario y de repente interrumpió su actuación para  declarar su amor a June Carter, que estaba en el backstage, pidiendola una y otra vez que se casara con él. Solamente cuando apareció June en el escenario y aceptó su propuesta, continuó con su interrumpida actuación.

Pero hay más casos parecidos que merecen ser recordados. Trace Adkins, un tipo muy temperamental, durante su primer aparición en el Grand Ole Opry, desde el escenario y durante un descanso, propuso igualmente a su novia, Rhonda Forlaw, que se casara con el.

Trisha Yearwood, cuando se enamoró de Robert Reynolds, componente de los Mavericks, dijo en el Ryman Auditórium de Nashville: “Yo pensé que este hombre es demasiado bueno para ser verdad”. Pero este romance tampoco duró mucho, pues poco tiempo después, acabó casándose con la super-estrella del momento,  Garth Brooks.

Un caso que no destacó por el buen gusto romántico lo tuvo Marty Stuart, que fue padrino de bodas en la boda de Travis Tritt con Teresa Nelson (25 años mayor que el y a quien conoció en un restaurante de la cadena Hooters, en Nashville, cadena que era conocida por su estrategia comercial de contratar camareras cuyas medidas rivalizaban con las de Dolly). Pues bien, el padrino, Marty, (que también se volvió casar nada menos que con la formidable Connie Smith, 17 años mayor que el), les entregó sus anillos envueltos en ropa interior de color rojo.

Aparte de estas curiosidades, suele se habitual en bodas de artistas, que bien ellos o alguno de sus invitados, interpreten o les dediquen alguna canción que encaje con el momento. Eso fue lo que hizo el propio Travis Tritt, con su una magnifica canción, “More Than You’ll Ever Know”, escrita por él mismo Travis, en 1996 y que cantó a su novia Teresa Nelson el día de su boda, la cual además tuvo un gran éxito en las listas.

Buck Owens, que era un avispadísimo hombre de negocios, tuvo la sorprendente idea -con un claro objetivo publicitario- de  decir al reportero de una revista que estaba dispuesto a encontrar esposa de entre todas las fans que le escribiesen una carta pidiendo casarse con él. Naturalmente, recibió montones de peticiones, con alguna que otra sorpresa.

Volviendo a las bodas y affaires entre personajes del country, incluyendo relaciones más o menos tormentosas, aparte de las de George y Tammy, no podemos olvidarnos de la que vivieron Tanya Tucker y Glen Campbell, así como las de Sammy Kershaw y Lorrie Morgan. Y citando a esta última, también tuvo un corto affaire con Kenny Rogers, que por cierto, se apuntaba a todas.

En el magnífico blog de Andoni Urkiaga ( http://www.escountry.com/), que aconsejo visitar, pude leer en cierta ocasión que “a finales de los 70 principios de los 80, Gail Davies era una cantante de moda en Nashville. Tenía un contrato con CBS/Lifesong Records y una agenda de actuaciones muy repleta. Además de cómo cantante, empezaba a hacerse un nombre como autora/compositora. Estaba prometida con Gary Scruggs cuyo hijo esperaba y había fecha para la boda. Pero Gail se echó atrás y canceló la boda, decidiendo ser madre soltera. La reacción en la puritana Nashville donde el apellido “Scruggs” es una institución, no se hizo esperar. Rápidamente su popularidad menguaba y la radio ya apenas le daba “Airplay”.

George Richey, tres años después de la muerte de su esposa Tammy Wynette,  se casó con Sheila Slaughter, ex-cheerleader de los Dallas Cowboys, de 34 años de edad, con quien tuvo una hija. Tim McGraw cantó en la boda este ‘It´s Your Love’, una gran canción, http://www.youtube.com/watch?v=ohC7o_PPPtY , cuyo estribillo tiene estas líneas: 

It’s your love
It just does somethin’ to me
It sends a shock right through me
I can’t get enough
And if you wonder
About the spell I’m under
oh It’s your love

En el mundo del country, en las bodas es muy usual que durante la celebración, en el baile de los novios, suene una canción, elegida por ellos. Una canción de esas que hablan de amor eterno y para siempre, como acabo de señalar. Aparte de las ya señaladas, canciones que se han elegido en las bodas, se pueden encontrar en temas  como los de Georges Strait – I Cross My Heart; Trace Adkins - For The Rest of Mine; Josh Turner – Soulmate;  Anne Murray – Could I Have This Dance etc. etc.

Cuando estaba llegando, ya comenzaba a oscurecer el día, y las luces de San Quentín podían verse a varias millas de distancia. Mientras el autobús atravesaba las puertas del penal, Merle advirtió que comenzaba a llover, pero en su mente le pareció que llovía desde el momento en que vio la prisión de San Quentín.

En su asiento del autobús, sentía una gran soledad y tristeza. Deseaba que lo que estaba viviendo no fuese real, sino un mal sueño. No obstante, Merle Haggard aún tuvo un pensamiento humorístico, y se decía así mismo “tal vez la prisión esté llena y, con suerte, no habría celdas libres”.

Para su desgracia, aunque allí había casi seis mil hombres, él ya tenía hecha “la reserva”, y, aproximadamente, a las 10 de la noche, Merle entró en su celda. Era la nº 13, de la sección B, 4º piso, en el bloque sur. No pudo dormir en toda la noche; sus pensamientos estaban en Bakersfield, en todo lo que eran buenos recuerdos, y en el hijo que estaba a punto de nacer.

En San Quentín encontrón a varios conocidos que tocaban la guitarra y le animaban a tocar con ellos, pero Merle no tenía fuerzas ni ánimos ni siquiera para intentarlo.

Merle conoció la dureza de la cárcel, trabajando en la lavandería, sufriendo algún que otro arresto de aislamiento y, lo que era más duro, comprobando cómo las cartas de su esposa Leona dejaban de llegar. Aprendió que cualquier favor que te hacian en la carcel, no era gratis.

A uno de los amigos que tenía en la prisión, le ejecutaron en la cámara de gas, y años más tarde, cuando escribió “Sing Me Back Home”, una de sus obras maestras, lo hizo porque creía saber como se sentiría su amigo en aquella noche previa a su ejecución.

 La canción, http://youtube.com/watch?v=zN5d4TY-wHM&fmt=18 comienza con estas líneas:

“The warden led a prisoner down the hallway to his doom

I stood up, to say good-bye like all the rest

And I heard him tell the warden, just before he reached my cell

‘Let my guitar, playing friend do my request’ (Let him)”

En San Quentín vivió un acontecimiento mucho más agradable, como fue la visita al penal de Johnny Cash, si bien en aquellos tiempos, Cash no era el personaje tan famoso como llegó a serlo más adelante. Sentado frente al escenario, Merle pensaba que tal vez un día podría llegar a ser también una estrella de la country music y estar en ese mismo lugar, haciendo lo mismo que Johnny Cash. Lo cierto es que Johnny Cash, con su música, hizo que todos se olvidaran dónde estaban.

Dos años y nueve meses en la cárcel, ese fue el tiempo que Merle estuvo en el penal y otros dos años y tres meses en libertad condicional. Fueron en  total 5 años de condena. Nueve años más tarde, el 1 de marzo de 1972, recibió, firmado por el entonces gobernador de California, Ronald Reagan, el perdón por su completa rehabilitación.

Cuando salía de San Quentín, de la garita de uno de los guardias se podía oír a Hank Snow cantando “The Last Ride”. El también se sentía un vagabundo solitario (una referencia de esa canción), porque nadie estaba esperándole, ni siquiera su esposa; tan sólo le acompañaba su guitarra y 15 dólares que le dieron para poder regresar a Bakersfield.

A casa. En ese momento no se podía imaginar  que sería el artista de country más famoso que había estado “enjaulado”, pues hasta entonces, para él, estar en la cárcel casi había sido una forma de vida, mientras que  la música era algo muy secundario.

Comenzó entonces una nueva vida para Merle; como músico, empezó a trabajar actuando en diversos establecimientos, hasta que le ofrecieron tocar nada menos que para Wynn Stewart, junto a Roy Nichols, Ralph Money (todo un virtuoso de la steel), Bobby Austin y otros grandes músicos. Wynn Stewart tenía que encontrar un sustituto precisamente para Bobby Austin (el co-escritor de “Apartment nº 9”), quien había decidido abandonar para formar su propio grupo.

Poco tiempo después, se separó de su primera esposa, Leona Hobbs, y Merle se quedó con la custodia de sus 5 hijos.

Trabajando para Wynn Stewart fué donde comenzó, realmente, la carrera musical de Merle Haggard, hasta llegar a convertirse actualmente en una de las más grandes leyendas de la música country. Creo que la primera canción que escuché de Merle fue “Mama Tried”, una canción universalmente conocida: http://www.youtube.com/watch?v=jxQbvSjQy9A  una canción decisiva en su carrera, y aunque no es autobiográfica, en ella reconoce los esfuerzos que hizo su madre para que “fuese por el buen camino”  y sin embargo Merle rechazaba sus buenos consejos una y otra vez, llegando a causar a su madre un gran sufrimiento con su conducta y su ingreso en San Quentin. Uno de sus párrafos dice asi:

 “Dear old Daddy, rest his soul,

Left my Mom a heavy load;

She tried so very hard to fill his shoes.

Working hours without rest,

Wanted me to have the best.

She tried to raise me right but I refused”

Tuvo aciertos y errores como los cometemos todos, pero nadie podrá dudar del gran talento de esta grandísima super-estrella que es toda una leyenda de la música country. Ese gran talento creo yo que de alguna forma a todos nos pertenece, y lo disfrutamos precisamente con su música.

Los comienzos siempre son difíciles. Después de salir de San Quintín, tuvo que ganarse la vida tocando aquí y allí, hasta que llegó su oportunidad, comenzando como bajista, al sustituir a Bobby Austin, uno de los músicos que acompañaban a Wynn Stewart. Merle se encontraba en el sitio adecuado y en el momento oportuno. Por ello, tal vez, el primer éxito de Merle llegó con “Sing A Sad Song”, y sobre la cual voy a referirme a continuación (http://www.youtube.com/watch?v=EOtt2lg0i5w):

Estos son sus primeros versos:

 “Sing me a song of sadness
And sing it as blue as I feel
If a tear should appear it’s because she’s not here
Sing a sad song and sing it for me”

La primera vez que Merle escuchó esta canción, le dejó impresionado, y de inmediato pensó “esta canción es la que tiene que llevarme al éxito”. Esta canción se la escuchó al gran Wynn Stewart, un artista bastante conocido por entonces (era el año 1963), en la costa Oeste norteamericana. Y se la escuchó porque en aquellas fechas estaba en Las Vegas, en el Nashville Nevada Club, formando parte de los músicos que tocaban para Wynn Stewart.

Merle, que no era ningún tímido precisamente, le preguntó a Wynn si había escrito él la canción, y le contestó afirmativamente, agregando que iba a ser su próximo sencillo. Esto le produjo una decepción, pero a los pocos días, Merle se armó de valor y conversando con Wynn Stewart le preguntó si estando en su mano ayudarle a ser una estrella, querría hacerlo. El bueno de Wynn, le contestó  “¿Que quieres que haga por ti?”. Justo en ese momento, Merle aprovechó para pedirle a Wynn Stewart que le diera esa canción, que le dejase a él grabar “Sing A Sad Song”. Y la respuesta de Wynn: “Tuya es”. Posteriormente, el propio Wynn hizo una grabación de esa canción, en cuya versión, al igual que en la de Merle, puede admirarse la portentosa steel de Ralph Money.

Efectivamente, la canción fue un primer éxito para Merle, llegó hasta el nº 19 en las listas de Billboard, y muy pronto la figura de Merle comenzó a despertar interés, si bien, su condición de ex-convicto, no inspiraba mucha confianza, hasta el punto de que su madre le sugirió que podía cambiarse el nombre, pero Merle no quiso hacer eso.

Su próximo título fue “You Don’t Have Very Far To Go”, una canción escrita por el propio Merle. Pero necesitaba un éxito mayor, más indiscutible, y lo encontró con “(From Now) All My Friends Are Gonna Be Strangers”, escrita por Liz Anderson, y que parecía hecha a la medida de Merle (aunque posteriormente también han grabado esta canción otros grandes artistas como G. Jones, C. Smith y Roy Drusky). Por cierto, que a los músicos de Merle Haggard comenzaron a llamarles “The Strangers” después de este hit, por el título del mismo. (http://www.youtube.com/watch?v=CFAYZkPrIUg).

La vida sentimental de Merle Haggard, tras divorciarse de su primera esposa, Leona Hobbs,  fue muy importante en la carrera musical de Merle. Pronto conoció a Bonnie Owens, que por entonces ya estaba divorciada de Buck Owens. A Merle le gustó su voz, lo que hizo que se incorporase a los Strangers haciendo armonías a Merle, e incluso que grabasen juntos, como en “Just Between The Two Of Us” que tuvo un notable éxito en 1964 (http://www.youtube.com/watch?v=D_CKiJYzhoA).

Todo comenzó a cambiar muy deprisa y favorablemente para Merle. El propio Buck Owens le pidió a Merle que le dejase grabar su canción “Swinging Doors”, una canción que no le gustaba nada al propio Merle, pero se dijo: “La grabaré yo. Si un tipo tan listo en este negocio como Buck Owens quiere grabarla, es que la canción debe ser buena o puede ser un éxito”. No se equivocó en nada con esta reflexión: alcanzó el nº 5 A continuación se sucedieron los éxitos, la mayor parte de sus grabaciones llegaban al nº 1, y Merle alcanzó todo tipo de premios y reconocimientos.

La unión con Bonnie Owens concluyó, debido a las infidelidades de Merle y, sabiendo que no podía hacerle cambiar, Bonnie abandonó el itinerante mundo de la música para dedicarse más a sus hijos. En realidad su unión con Merle funcionó perfectamente desde un punto de vista musical, y pese a su separación, siguieron siendo muy buenos amigos, e incluso fue madrina de bodas en su siguiente matrimonio -era el año 1978- con la atractiva Leona Williams, excelente cantante y muy buena escritora de canciones, que se convirtió en su tercera esposa, la cual, según decía la propia Bonnie, fue el gran amor de Merle. Un matrimonio que duró 5 años, pero esta ya es otra historia.

Buck era de carácter temperamental y colérico; sus bruscos cambios de carácter, tal vez podrían explicarse en sus antecedentes familiares, como fue el caso de su hermana mayor que tenía trastorno bipolar. Tuvo varios matrimonios. Su fuerte temperamento le llevó incluso al maltrato, por ejemplo con su esposa Phyllis, con quien se llegó a casar dos veces, porque pensaba que tenía un affaire con uno de los músicos de su banda, lo cual era incierto. Por el contrario,  Buck era un gran mujeriego, y estaba considerado por los músicos de su banda como un adicto al sexo.

Desde muy pequeño mostró su inclinación hacia la música, no como vocalista, sino como músico, junto a otros amigos. Se compró una Fender Telecaster de segunda mano y antes de destacar como solista y crear su propio grupo, llegó a formar parte, como guitarrista, de los músicos que acompañaban a Tommy Collins, el cual dijo que Buck “aportó un poco de estilo a su música”, es decir, le dio un toque más característico, que posteriormente llegó a ser reconocido como el sonido Backersfield.

Con su atención siempre puesta en el dinero, demostró ser muy hábil en los negocios, y tuvo varias emisoras de radio en Phoenix, y un canal de televisión en Bakersfield, que le reportaron grandes beneficios. Siempre tuvo gran éxito en los negocios que emprendió, sin duda supo rodearse de buena gente, tanto en lo personal como profesionalmente, al igual que hizo con los miembros de su banda, conocidos como “Los Buckaroos” (nombre que se lo puso Merle Haggard cuando estuvo un tiempo con Buck). Realmente fue un conjunto de músicos, todos ellos muy talentosos, especialmente Don Rich, el fiddler, que además sabía tocar con gran maestría casi todos los instrumentos.

Buck tocó para Sonny James, Faron Young, Gene Vincent, Wanda Jackson y otros, y ya comenzó a ser conocido y respetado por otros cantantes de éxito, como por ejemplo, Porter Wagoner, quien predijo que sería una gran estrella. El mismo Tommy Collins reconoció que comenzó a sentir celos artisticos de Buck.

Su primer gran éxito fue “Under Your Spell Again”, en 1959, aunque en ese mismo año ya llegó a las listas de éxitos con “Second Fiddle” y a partir de entonces, su carrera fue en ascenso e imparable.

Mas adelante, Wynn Stewart, otro cantante de éxito reconocido en la costa oeste, presentó a Buck al compositor Harlan Howard, tal vez uno de los mejores que ha habido en la historia de la música country. Pronto se entendieron y compuso para Buck canciones que fueron éxitos notables como por ejemplo, “Above and Beyond”, “Excuse Me (I Think I’ve Got a Heartache)” y “Under The Influence of Love”.

El primer numero uno de su carrera no se hizo esperar mucho tiempo. Fue en 1963, nada menos que con “Act Naturally”, escrita por Johnny Russell y Voni Morrison, sobre la cual ya contaré cosas y curiosidades en otra ocasión. Después llegaron otros super hits, como “Love’s Gonna Live Here”, tambien en el mismo año, siendo el tercero el inigualable “Together Again” un año más tarde, ganando un Grammy con “I’ve Got A Tiger By The Tail”, canción inspirada en un slogan publicitario de combustible que vio en una gasolinera. Referirse al resto de sus éxitos, aquí sería demasiado largo.

Buck Owens era un maestro para la promoción, con ideas originales y pensaba que cualquier iniciativa publicitaria, por atrevida que fuera, podría ser buena. Así, encontrándose divorciado de su esposa Phyllis, le dijo a un reportero para una revista, que quería encontrar una esposa de entre todas las que le escribiesen diciendo que querían casarse con el.

Como resultado, Buck se vio inundado de peticiones, recibiendo unas veinte mil cartas, y entre ellas, la de un hombre que le escribió, para su sorpresa, diciendo que le podría hacer tan feliz como cualquier mujer. Lo cierto es que este señuelo publicitario, obtuvo un “material” de las cartas recibidas que probablemente le sirvió a Buck para conseguir algunos otros éxitos musicales como compositor.

Siempre trabajó de forma infatigable, con actuaciones constantes en cualquier parte, y también fuera de los EEUU, y siempre con gran éxito, incluyendo Japón, y si no fue el creador del sonido “Bakersfield”, desde luego fue el que dio a conocer este sonido característico de la música country procedente de la costa oeste, muy distinto a la evolución más comercial que ya en aquellos momentos sufría la música en Nashville, rivalizando en los gustos y aceptación de los aficionados.

Tradicionalmente, los acontecimientos y circunstancias personales en los artistas del country, dejan una huella indudable, especialmente a la hora de interpretar sus canciones, trasladando en ellas todas las emociones que están viviendo, y especialmente aquí, dentro de la música country, donde las canciones incluyen constantemente el drama y el sufrimiento de sus propias vidas. Sin embargo, en el caso de Buck Owens esto no llega a ser un determinante ni tampoco dejó nunca traslucir al exterior los problemas que pudiera tener. Y si esto fuera así, en el escenario nunca llegó a manifestarlo, sino que por el contrario, sus actuaciones siempre tenían el añadido de la broma y alusiones divertidas, en las que Don Rich, su gran amigo y alma de sus músicos, era todo un maestro.

Murió el 25 de Marzo de 2006. La noche anterior había cerrado el show en el Crystal Palace, en Bakersfield, con “Big In Vegas”, canción que fue un éxito en 1969 y con la que habitualmente terminaba sus actuaciones en ese famoso establecimiento (hotel, dance-hall y restaurante) de su propiedad.