Hace unos días, conversando con una amiga reciente y caravanera, nos acordamos de Angel Alvarez, una persona que con sus programas de radio y su divulgación de una música diferente, sincera (como él mismo decía), dejó huella y un recuerdo eterno entre todos los que en algún momento, hemos seguido sus emisiones y tuvimos la ocasión de conocerle. Hasta que en agosto de 2004 falleció, a sus 87 años.
Pues bien, tan solo 2 años después de aquello, sus herederos, vendieron su colección musical.
En un programa de TV -era el año 1988- dijo que su colección superaba los 40.000 discos, tantos discos como recuerdos, que fueron su vida, y los había ido reuniendo con un gran esfuerzo, buscándolos en tardes de hielo por las calles de Nueva York. Yo creo que era una herencia que, sentimentalmente, nos pertenecía un poco a todos nosotros, los que hemos sido fieles a su música y al personaje. Angel se fue, pero quedó entre nosotros, y los caravaneros, le hemos convertido en leyenda.
Hace muy pocos días, escuché a una persona, a quien admiro profundamente, hablar de la ética y las cosas que no se deberían hacer. Concluía recordando una vieja recomendación: “Lo que no debas hacer, no lo hagas. Pero si lo haces, que no me entere. Y si me entero, que no me importe” y después apostilló: “¿A que es bonito?”. Pues si, pero no se suele cumplir, y eso viene a cuento de lo que hicieron sus herederos, que, no obstante, tienen toda mi consideración.
En ese mismo programa, con esa voz calida, tan distinta a todas, mientras sonaban los Brother Four y su Greenfields, una maravillosa canción de 1960, Angel me conmovía presentadola diciendo “con esta música se enamoraron tus padres”. Ahora ninguno sabemos nada de esa colección, tan solo que el comprador es posible que haga un pequeño museo. Está por ver.
Yo no sabría como hacerlo, pero el caso es que sus herederos consiguieron poner un precio a la misma. Y vendieron la colección. Probablemente tendrían sus motivos, pero el valor auténtico no es el precio que pusieron, sino lo mucho que representa y eso no se puede cuantificar. Eso es un intangible. Sucede lo mismo cuando se envía un centro de bonitas flores a una mujer. El auténtico valor es lo que eso significa, el sentimiento que despierta en quien las recibe.
Escuchar a Angel Alvarez a mí me parece que es, igualmente, un intangible. Según sus propias palabras, “la voz expresa la sinceridad y el sentimiento del mensaje”. Y también pregunto yo, ¿a que es bonito?
Y llega mi despedida. Después de unos meses contando cosas en este blog, siempre sobre música country, espero que alguno de los que ha visitado estas páginas haya pasado un rato entretenido, incluso agradable, pues esa era la intención, dar a conocer algunas cosas y entretener, divulgando mi gran afición a la música country, que siempre llevaré muy adentro.
Ahora he comprobado que ya no tengo tiempo para seguir. Me retiro, aunque seguramente volveré. La música la seguiré llevando conmigo donde esté. En estos momentos estoy muy dedicado a tareas de investigación académica. Nos veremos…Muchas gracias a todos.
A Angel Alvarez le gustaba mucho la música campesina, como el la llamaba. No podía faltar en este adiós. Y aquí está, precisamente Keith Whitley, interpretando una sentimental y hermosa canción, Don’t Close Your Eyes, una composición de Bob McDill. Para que todo encaje (4422).
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Reconozco que nunca he sabido responder cuando me han preguntado cual es mi canción preferida. Pero si la pregunta no fuera tan concreto, no tendría dudas y, desde luego, “She Thinks I Still Care” se encontraría entre mis canciones favoritas, vamos, como para ser incluida en una orla.
En general, se relaciona una canción con su intérprete, pero cuando nos encontramos ante una canción tan grande y tan sentimental como esta, hay que fijarse, inevitablemente en su compositor, cosa que debería hacerse siempre.
Pues bien, Dickey Lee fue quien escribió esta emblemática canción. Refiriendose a ella, Dickey Lee dijo lo siguiente: “He tenido mucha suerte con esta canción. La escribí pensando en la primera chica que me enamoré. Esa chica llegó a trastornarme y aunque después me enamoré de otras, She Thinks I Still Care estaba dedicada a la primera y con esta canción George Jones llegó al nº 1 en 1962, Anne Murray tambien lo consiguió en el 74 y Elvis Presley no fue menos en el 77.” Nada menos.
La canción se basó en una historia verdadera, sobre una chica que Dickey conoció en un colegio de Memphis. Mientras estaba en la escuela escribía canciones para el productor y cantante Jack Clement -también natural de Memphis, como el-, a fin de conseguir algún dinero.
Cuando Dickey escribió esa canción no pensó que podría ser un hit, todo lo contrario que Jack Clement, quien, poco tiempo después le pidió una cinta-demo de la misma. Pero el caso es que la canción le había llegado también a George Jones, y éste la grabó como cara B acompañando a “Sometimes You Just Can’t Win”, una preciosa canción escrita por un deejay llamado Smockey Stover, y que no alcanzó ni mucho menos el éxito de She Thinks I Still Care, de la cual, George Jones llegó a decir que era su canción preferida de entre todos sus hits.
Y en verdad, esta fue una canción crucial en la carrera de George Jones. Fue su tercer nº 1 y no tuvo otro hasta cinco años más tarde, en 1967 con “Walk Through This World With Me”, (escrita por Kay Savage y Sandra Seamons) y aunque después hubo otros top chart, su siguiente éxito impactante, en solitario, fue en 1980 con “He Stopped Loving Her Today”, una canción compuesta por Bobby Braddock y Curly Putman. En realidad, estas tres canciones son absolutamente memorables, cuyas dimensiones se agrandaban al ser interpretadas por George Jones, toda una auténtica leyenda viva.
Dickey Lee ha escrito muchos e importantes hits, y si nos referimos a los que alcanzaron el nº 1, hemos de incluir a George Strait – Let’s Fall To Pieces Together, (con Johnny Russell), Dave & Sugar – The Door Is Always Open (con Bob McDill), John Schneider – I’ve Been Around Enough To Know (con Bob McDill), Reba McEntire – You’re The Firs Time I’ve Thought About Leaving (con Kerry Chater), Charley Pride – I’ll Be Leaving Alone (con Wayland Holyfield), Doug Stone – In A Different Light (con Bob McDill y Bucky Jones). Tampoco quiero olvidarme de Tracy Byrd – The Keeper of The Stars.
No solo para la música country, sino que, seguramente por las influencias del pop y rock que imperaban en Memphis, donde nació, escribió también éxitos importantes dentro del pop, como los de Tommy Roe – Sheila, Gary Lewis & The Playboys – This Diamond Ring, Brian Hyland – Itsy Bitsy Teenie Weenie Yellow Polka Dot Bikini.
Finalmente, el propio Dickey Lee también tuvo reconocidos éxitos como vocalista, entre los cuales merecen destacarse Rocky, Patches, Laurie (Strange Things Happen)-SD nº855-, Never Ending Song Of Love, Patches, I Saw Linda Yesterday, 9.999.999 Tears, etc, etc.
Sin duda, el nombre de Dickey Lee es una referencia obligada para todos aquellos que pretendan ser buenos compositores y vocalistas de éxito. Y para recordar mejor esta canción, She Thinks I Still Care, en homenaje a Dickey Lee y a las magistrales inflexiones de voz de George Jones, aquí añado la letra de la misma mientras puede escucharse por youtube. Para disfrutar. (4234)
She Thinks I Still Care // Just because I ask a friend about her // Just because I spoke her name somewhere // Just because I rang her number by mistake today // She thinks I still care //Just because I haunt the same old places // Where the mem’ry of her lingers ev’rywhere //Just because I’m not the happy guy I used to be // She thinks I still care //But if she’s happy thinkin’ I still need her // Then let that silly notion bring her cheer //
But how could she ever be so foolish // Oh where would she get such an idea //Just because I ask a friend about her // And just because I spoke her name somewhere //
Just because I saw her then went all to pieces // She thinks I still care // She thinks I still care /////
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UNA CANCION – UNA RESPUESTA
Durante los años 50 y 60 se hizo costumbre para determinadas canciones que habían sido un éxito, o habían tenido una repercusión social notable, editar otras que por las características o particularidades de sus letras, suponían una respuesta a las mismas. Estas llamadas “canciones-respuesta” no tenían, por lo general, pretensiones de llegar a encumbrarse, sino aprovecharse de la popularidad de una canción de éxito o, simplemente, para hacer una broma, o una crítica, siempre sobre la base de relacionar las letras de ambas canciones e inclusive, la música.
Las canciones respuesta, tanto en el mundo del pop como en la música country, vivieron 
una especie de edad de oro en aquellos años, si bien, hoy en día es una especie en extinción.
De cualquier forma, algunas de estas canciones-respuesta tuvieron, quizá sin proponérselo, tal éxito que a veces podría compararse con el tema que dio origen a la respuesta. Por ejemplo, esto sucedió con Hank Thompson y su “The Wild Side Of Life”, que llegó al nº 1 en 1952 y ahí permaneció durante 15 semanas, y “la respuesta” de Kitty Wells llegó con “It Wasn’t God Who Made Honky Tonk Angels”, que en ese mismo año estuvo 6 semanas en el nº 1. Las dos son grandes canciones, más allá de esa 
característica.
En misma línea de la anterior, encontramos otras como es el caso del mayor éxito de Hank Locklin en el año 1960 con “Please Help Me I’m Fallin”, que obtuvo la respuesta de Skeeter Davis “(I Can’t Help It) I’m Fallin’ Too y que alcanzó el nº2 en las listas de ese mismo año, y en ámbos casos, los mismos compositores: Hal Blair y Don Robertson. Dos grandes canciones, para dos grandes intérpretes.
¿Más ejemplos? Hay muchísimos, pero para centrarnos en las que pueden ser más 
conocidas, no cabe duda que encontramos a Jim Reeves y su emblemática “He’ll Have To Go” a la cual se encargó de dar respuesta Jeannie Black con “He’ll Have To Stay”, que también fue una canción escrita por los mismos compositores. En este caso, los éxitos de una y otra no son en absoluto comparables.
Otros casos a señalar, pero de menor repercusión, encontramos:
Lefty Frizzell – Long Black Veil, versus Marijohn Wilkin – My Long Black Veil
Eddy Arnold – I Really Don’t Want To Know, versus Betty Cody – I Really Want You Yo Know
Hank Locklin – Geisha Girl, versus Skeeter Davis – Lost To A Geisha Girl
Johnny Cash – Ballad Of A Teenage Queen, versus Tommy Tucker – Return Of The T. Queen
David Houston – Almost Persuaded, versus Donna Harris – (He Was) Almost Persuaded
Willie Nelson- Good Hearted Woman, versus Connie Cato – Good Hearted Man
Jan Howard – Evil On Your Mind, versus Burl Ives – Evil Off Your Mind
Leroy Van Dike –Walk On By, versus Margie Singleton – I’ll Just Walk On By
Roger Miller – King Of The Road, versus Jody Miller – Queen Of The House
W.Jennings – Only Daddy That’ll Walk The Line, vs J. Shepard – Only Mamma That Walk 
The Line
Billy Walker – Charlie Shoes – versus Jonie & Johnny Mosby – The Answer To Charlie’e Shoes
Lo cierto es que, prácticamente en todos los casos, con las excepciones citadas y alguna otra, la repercusión de estas canciones respuesta no llegó más allá de la simple curiosidad, y en general, también es cierto que fueron unas dignas versiones, musicalmente hablando.
Sin embargo hay una canción, con su correspondiente respuesta que siempre me llamó la atención, fundamentalmente por la letra de la canción, pues en la música country es sabido que a la letra de las canciones se le da bastante importancia, pese a sus escasas pretensiones y repetición de argumentos.
Me estoy refiriendo a un gran éxito del año 1953, del dúo Jean Shepard y Ferlin Husky, el conocido como “A Dear John Letter”, que por otra parte fue la primera aparición en las listas de Jean y además, con 6 semanas de permanencia en el nº 1. Y su segunda aparición en listas fue, precisamente, con la canción respuesta, interpretada 
igualmente por el mismo dúo, llamada Forgive Me John que alcanzó la 4ª posición en ese mismo año.
Posteriormente, en el año 1965 otro duo, formado por Skeeter Davies y Bobby Bare, interpretó la misma canción, “A Dear John Letter”, que ya no tiene ese sabor tan antiguo del acompañamiento musical, pero que no desmerece en nada.
Ferlin Husky, era muy versátil: cantante, cómico y que también intervino en varias películas, es hoy en dia un artista prácticamente olvidado, mientras que Jean Shepard, 
esas canciones la dieron a conocer, irrumpiendo con fuerza en el escenario de la música country. Por cierto, Jean, que era una buena amiga de Patsy Cline, se quedó viuda a causa del accidente aéreo donde murió la gran Patsy, el esposo de Jean, Hawkshaw Hawkins, Cowboy Copas y el piloto. Y Jean Shepard todavía recuerda con inolvidada amargura que su esposo y Cowboy Copas, eran algo más que “los dos tipos que murieron en el accidente aéreo con Patsy Cline”, como en un principio los medios se referían en las noticias del mismo.
Volviendo a las canciones respuesta, en estos temas Jean cantaba mientras Ferlin se 
encargaba de la parte conversacional de las canciones, cada uno en su papel, de acuerdo con la letra de las canciones.
La letra de la canción habla de una carta que recibe de su novia un soldado en la guerra. El está todo contento al ver que el cartero le entrega carta de su novia y porque ese mismo dia habían ganado una dura batalla. Pero en esa carta, su novia le dice que siente mucho decirle que su amor se había terminado y que esa misma noche se iba a casar… precisamente con su hermano, y le pide que les desee que sean siempre felices. En fin, todo un drama para el soldadito.En la canción respuesta, como el título indica, su novia le pide perdón porque se ha dado cuenta que no quería a su hermano, sino que en realidad el es su auténtico amor, y le pide que le escriba, que venga a casa y que lamenta su profundo error. Pero el soldado le dice que el no puede hacer lo que su hermano hizo con él y por lo tanto decide continuar en el ejercito y vivir en solitario su vida como soldado.
Las canciones tienen la misma música, pero, lógicamente, lo que cambia es la letra que es, precisamente, en lo que se basan las canciones respuesta. Y a contnuación, en un mismo pack, A Dear John Letter y su respuesta, Forgive Me John. (4023)
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Porter Wagoner, nacido en West Plains, Missouri, trabajó en una tienda de comestibles y entretenía a los clientes cantando canciones y recitando. De ahí fue a una estación de radio local y posteriormente llegó a realizar su sueño de formar parte habitual en el Grand Ole Opry.
Formó una banda musical, llamada “The Wagonmasters” pero al poco tiempo se enteró que ese nombre ya lo tenía la banda que acompañaba a Jim Reeves. Cuando Jim lo supo, habló con Porter y le dijo que realmente ese nombre era más apropiado a la banda de Porter y, gentilmente, Jim Reeves decidió cambiar el nombre a la suya.
Después de ser miembro del Grand Ole Opry, pasó a conducir uno de los más lucrativos y duraderos shows de TV: The Porter Wagoner Show. Enseguida, pasó a formar parte habitual del show, acompañándole en el mismo, desde 1961 hasta 1967, Norma Jean, una cantante que llegó a tener una gran popularidad.
No fue un secreto que los dos tuvieron una apasionada aventura amorosa, que resultó problemática porque Norma quería llegar al matrimonio, mientras que Porter no deseaba casarse, pues aunque el estaba legalmente separado de su mujer, no quería tener un divorcio para casarse nuevamente.
Esto hizo que Norma terminara separándose del show, de forma amistosa, en 1967. También era conocida como “Pretty Miss Norma Jean”, y en el show de Porter Wagoner fue reemplazada por Dolly Parton.
¿Qué haría Porter? Al parecer, más de una intérprete conocida se ofreció para ocupar esa vacante, entre ellas Tammy Wynette y Connie Smith. Pero Porter se fijó inmediatamente en una pequeña y joven rubia, con una voz alta y aguda, muy diferente de la de Norma Jean.
Porter estaba convencido que no debía reemplazar a Norma por otra parecida, sino con alguien que fuera totalmente diferente. Norma era más melodiosa. Por otra parte, Dolly tenía una gran capacidad como compositora.
Este cambio, y los nervios lógicos del comienzo, hicieron muy difíciles las cosas a Dolly, pero Porter tuvo la genial idea de empezar a cantar dúos con Dolly, cosa que no había hecho con Norma, y la cosa empezó a cambiar a mejor. Porter y Dolly hicieron en sus dúos las mejores harmonias en la historia del country moderno.
En un duo con Dolly, concretamente en la canción Just Someone I Used To Know, Porter tuvo la idea de emplear los “horns”, una especie de trompeta. Cuando se lo dijo a Chet Atkins, vicepresidente de RCA, éste saltó de su silla y le dijo: “¡Tu estas loco, emplear horns en country music!” Pero finalmente, Porter consiguió su propósito y esa canción tuvo tal éxito que consiguió el premio grammy en 1969.
Los éxitos del duo continuaron con temas como Tomorrow Is Forever, Better Move It On Home, Lost Forever In Your Kiss, If Teardrops Were Pennies, Please Don’t Stop Living Me, etc. etc.
Pero comenzaron los problemas cuando Dolly quiso incursionar en el pop, a lo cual, Porter se opuso como productor. Pero la RCA viendo el enorme potencial de Dolly decidió apoyar a Dolly y que Porter desapareciera de la escena, porque lo que verdaderamente le importaba a RCA era la rentabilidad, sin entrar en discusiones sobre pop o country.
Y así fue como Dolly dejó el show de Porter Wagoner, con un gran pesar de Porter pues todavía tenía contrato con su show, cuyas cláusulas le impedían firmar otros contratos y cambiar de productor en 10 años. Dolly se fue y Porter se lamentaba de todo lo que hizo por ella cuando Dolly no era nadie. Su último show juntos fue el 9-6-1974, y antes, Dolly escribió el inolvidable “I Will Always Love You”, una canción dedicada a Porter, una pequeña obra maestra, una canción que todos recuerdan por la interpretación que hizo Whitney Houston en el film “The Bodyguard”, y reconociendo que fue algo sensacional, no lo fue menos, como puede comprobarse, la interpretación que hizo la propia Dolly Parton de esta canción en el film “The Best Little Warehouse Of Texas”, en una emotiva escena con Burt Reynolds.
Pero todo acabó en un juicio multimillonario, resuelto en 1980, de forma amistosa, aunque dejó una gran tristeza en Porter, que posteriormente utilizó otras chicas cantantes, pero realmente, en esta ocasión, ninguna pudo reemplazar a Dolly, porque según palabras de Porter “eso era completamente imposible”.
La relación entre Porter y Dolly fue exclusivamente profesional, pero aunque algunas veces se peleaban como el perro y el gato, se crearon sentimientos muy fuertes a lo largo de esos años de trabajo juntos. Y la separación fue dolorosa, especialmente para Porter, que sin embargo continuó produciendo sus discos hasta 1977, cuando ella rompió finalmente con el. Ya estaba preparada para ir en busca de su sueño en solitario.
En Mayo de 2007, Porter Wagoner celebró su 50 aniversario como miembro del Grand Ole Opry. En esa celebración y en ese mágico escenario, Dolly cantó “Just Someone I Used To Know” con el y cantó, también, “I Will Always Love You” para él. Por cierto mientras Dolly cantaba esa canción, con Porter a su lado, enjugaba las lágrimas que a Porter le resbalaban.
En ese mismo año, pocos meses después, en la noche del 28 de Octubre, una fecha para el recuerdo y difícil de olvidar, Porter falleció, victima de un cáncer de pulmón.
Como mejor recuerdo de ambos, por ser Dolly muy joven, me gusta escuchar precisamente una de esas canciones, que fue gran éxito en 1969, Just Someone I Used To Know, compuesta por Jack Clement y que ha tenido grandes versiones de fenomenales intérpretes, como Emmylou Harris, George Jones & Tammy Wynette, así como otra realmente asombrosa de Lee Ann Womack, que encontré en su álbum del alo 2005, llamado “There’s More Where That Came From”.
Y también, como homenaje a esta fecha 28-10, veamos igualmente la interpretación de Dolly con “I Will Always Love You” y comprobemos el momento conmovedor vivido por ambos mientras Dolly cantaba un fragmento de esa canción en su honor..
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A veces aparecen las sorpresas más agradables cuando menos lo esperas. Eso me ha sucedido en estos días pasados, cuando al abrir youtube, me dio por ver algunos de los videos en el apartado de youtube que dice: “Recomendados para ti”.
Lo cierto es que no sabia nada de el, y no podía pensar que se tratase de un pedal steel guitar amateur, dado el virtuosismo y precisión con que atacaba las notas del tema que estaba tocando.
Busqué un breve perfil de David Hartley y pude saber que no es americano sino británico y que a la edad de 13 años, Dave tocó el bajo con el grupo New Silver Ace en una región al este de Inglaterra, llamada East Anglia. Después, a los 18 años comenzó a tocar el pedal steel guitar, y tres años mas tarde pudo tocar en una banda musical que hizo una gira con Moe Bandy y Roy Drusky.
Después de dos años como profesional, volvió a su trabajo de electricista y lo simultaneaba tocando en bandas locales y formando equipo en las sesiones de grabación para otros cantantes, siempre en el Reino Unido. En 2005 se hizo con un estudio de grabación propio en Suffolk, donde ha grabado unos cuantos álbumes.
Y poco más conozco de este casi “anónimo” David Hartley. Pero, sin duda, lo mejor es conocerle a través de sus interpretaciones, como hace, por ejemplo, con “If You Were Me”, un tema que pude oír a la magnifica y sorprendente Amber Digby en su álbum del 2006 llamado “Here Come The Teardrops”. Por cierto que en 1955, Webb Pierce tuvo un notable éxito con una canción de igual título, pero no se trata de la misma.
David Hartley no se encuentra entre los conocidos maestros del pedal steel guitar, como Little Roy Wiggins, Jerry Byrd, Buddy Emmons, y tantos otros, pero estoy convencido que en modo alguno desmerece de ellos.
No podía resistirme a compartir con vosotros la alegría que me dio escuchar la belleza interpretativa de esta canción y con un instrumento que fue poco menos que despreciado cuando el sonido Nashville comenzó a imponer sus leyes.
Con David Hartley, no podrá hablarse de “invasión británica” como le sucedió al pop en mitad de la década de los 60, pero si todos tuvieran el talento de Hartley, tendríamos que dar nuestra más calurosa bienvenida.
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En el mundo de la música, como en cualquier otro, resulta muy fácil enamorarse entre colegas intérpretes, particularmente cuando se pasa mucho tiempo acompañado, por ejemplo en los tours. Al mismo tiempo, los cónyuges de las country stars descubren que es fácil a la larga terminar solos.
En una publicación llamada “Country Confidencial”, Merle Haggard afirma que su mejor “mitad” siempre le dijo “no me importa lo que hagas cuando estas lejos, sino que alardees de ello en mi cara”. Ella comprendía que Merle tenia tantos ofrecimientos que no los podía rehusar.
Cuando Merle y Dolly salieron juntos de tour, el se enamoró de los considerables encantos de una de las mas grandes estrellas del country. “No me enamoré simplemente de la imagen de Dolly Parton, confiesa. “Me enamoré de ese excepcional ser humano que vive bajo ese manojo de suave y sedoso pelo, pestañas rizadas y super ‘boobs’. Y yo estaría loco para creer que ella me correspondía”
Dolly estaba casada (y todavía lo está), si bien, Dolly y su marido, Carl Dean, supuestamente tienen una unión un tanto ‘abierta’, en la cual ambos tienen libertad para tener sus aventuras, pero no está permitido enamorarse. Ella misma dice que “Carl tiene unas magníficas relaciones con otras mujeres y por eso no voy a pensar que se las lleva a la cama. Si lo hiciera, lógicamente yo me sentiría mal, si bien tu no puedes poseer las emociones y sentimientos de otras personas y si piensas que puedes, la has fastidiado”. Y sigue diciendo que “Yo he tenido muchas relaciones maravillosas con hombres, pero sexo y amor son dos cosas diferentes”
Refiriéndose a su esposo, Dolly dice que no hay celos entre ellos. “Si no puedo estar con el y alguien puede hacerle feliz, bien. Si el no puede estar conmigo y alguien mas puede hacerme feliz, también está bien”
Por otra parte, en las páginas de The Daily Star, del 25-1-2002 se dice en una cabecera: “Fui un juguete sexual de Dolly Parton”. Esto es lo que declaraba Blaise Tosti, diciendo que tuvo un affaire con Dolly en la década de los 70. Y agrega: “Dolly es una amante increíble”.
No se que habrá de cierto en todo ello. En todo caso, es muy probable que, en aquél momento, Blaise Tosti destapara este asunto exclusivamente para darse publicidad. De Tosti son las composiciones de una canción, “How Many Rivers”, interpretada por Lisa Hartman, y de otra, interpretada por Rick Springfield, llamada “Affair Of The Heart”, que no tuvieron gran relieve.
La imagen que Dolly transmite puede confundir a más de uno. Pero ella misma responde con toda naturalidad: “Parezco artificial, pero no lo soy. Y tampoco me molestan todas esas bromas que hacen sobre rubia-tonta, porque se que no soy rubia y también se que no soy tonta.” Y efectivamente, Dolly tiene un gran cerebro bajo su peluca y un gran corazón bajo sus.. “boobs”.
Y la verdad de todo es que Dolly Parton, que nació en 1946, en unas aldeas de los Apalaches, en Tennessee, en el seno de una familia muy humilde de granjeros (ella era la cuarta de un total de 12 hermanos que no todos sobrevivieron). Su casa no tenía ni luz electrica, ni agua corriente ni mucho menos, teléfono. Pero Dolly consiguió graduarse en la high school, y a los 13 años grabó su primer disco con “Puppy Love”. Su carrera fue creciendo sin parar, hasta que Porter Wagoner, en el año 1967, la eligió para sustituir a la estrella de su show, Norma Jean, llegando a su consagración.
Dolly, aparte de ser un fetiche y uno de los grandes iconos de la música country, es un gran talento. No solamente alcanzó los mayores éxitos como intérprete, sino que también dio pruebas sobradas de su gran capacidad para escribir canciones, por ejemplo, suyas son las canciones “Put It Off Until Tomorrow” que fue un éxito para Bill Phillips en 1966 y “Fuel To The Flame” otro éxito para Skeeter Davies en 1967.
También escribió otras canciones interpretadas por ella misma, grandes éxitos como los conocidos temas “Jolene” “Coat Of Many Colors”, “Love Is A Buterfly”, I Will Always Love You, etc., etc. Pero de todo esto ya hay abundante literatura e información.
Disfrutemos escuchando y viendo su primera aparición en el show de Porter Wagoner, a una encantadora y jovencísima Dolly, cantando en 1967, precisamente, “Dumb Blonde”, que fue también su primer éxito y primera entrada en las listas de Billboard en ese año. (3324)
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Que difícil resulta resumir en poco espacio sobre la figura e importancia, para la musica country, de Bill Anderson… Es obligado decir que nació el 1-11-37 en Columbia, South Carolina. Hombre polifacético y con un enorme talento como compositor, también ha sido un destacado intérprete con grandes éxitos y cuya época dorada se encuentra entre 1960 y 1980. Además, fue cronista deportivo y también disc jockey en Georgia, incluso, ocasionalmente, actor en algunas series de TV. Todos le han conocido como “Whispering Bill”, por su forma susurrante de cantar, llegando incluso a recitar versos de sus canciones.
Empezó muy pronto a escribir canciones y su talento quedó sobradamente demostrado cuando a los 19 años compuso “City Lights”, que interpretada por Ray Price llegó al nº 1 en 1958, lo que le valió un contrato con Decca y grabó con gran éxito su primer disco That’s What It’s Like Be Lonesome, al que siguieron The Tip Of My Fingers, Walk Out Backwards y Po’Folks, hasta que en 1962 alcanzó su primer nº 1 con Mama Sang A Song, siguiéndole después su conocido éxito Still en 1963. No solamente tuvo éxitos en solitario, sino también haciendo dúos con Jan Howard, como For Loving You y If It’s All The Same To You.
Recuerdo, en la década de los 80, un programa de radio, de música country naturalmente, del amigo caravanero Luis Cuevas que proponía acertar una canción de Bill Anderson y para ello solamente (pero más que suficiente) nos dejaba oír unos mínimos acordes de la canción Still. Curiosamente, ninguno de los que llamaron acertó.
Era una canción del año 1963, y Bill Anderson la escribió una noche que estaba desvelado y se levantó de la cama. Había estado en Atlanta y fue a ver a una antigua novia. No escribió la canción por ella, sino por los sentimientos que experimentó cuando la vio nuevamente, después de largo tiempo.
Y efectivamente, en la canción se dice, recitando, que “lo perdí todo desde que te fuiste lejos, todo excepto los recuerdos que me dejaste y mi única esperanza es que algún día puedas oír esta canción. Sabrás que la he escrito especialmente para ti y te amaré donde quiera que estés” Y la canción sigue declarando y recordando este viejo amor, con palabras más o menos tiernas y conmovedoras. La canción cuenta con los acompañamientos vocales de Anita Kerr Singers y llegó al nº 1.
A raíz de este éxito, se le empezó a llamar “Whispering Bill”. También tiene un SD en Caravana, justamente, el nº 2562, llamado “Quits”, un tema del año 1971, que también fué un éxito importante para Bill.
En fin, la década de los 80 no fue muy amable con Bill Anderson. Se encadenaron una serie de acontecimientos muy dolorosos para Bill, pero solamente me voy a referir a uno de ellos por lo que significó de humillación a Bil Anderson.
Todo comenzó cuando perdió su contrato en 1981 con Decca/MCA, después de 23 años en el sello discográfico. Al año siguiente, fue a ver a un productor de otra casa discográfica, y llevaba una canción que había escrito para ser cantada por una mujer. Y el productor, que tenía otros amigotes en su despacho, le respondió delante de todos: “Bien, y ¿quién quieres que la cante, Kitty Wells?”, acompañándose por una risotada, a cuyas risas se unieron todos los que estaban con él. (Kitty Wells, por aquellas fechas, ya llevaba mucho tiempo desaparecida de los escenarios). Bill, al comentar este episodio, no mencionó a que canción se refería.
Bill Anderson, herido en lo más profundo de su corazón, pensó, que se burlaron de él. Lo que más le dolió fue que ese comentario despectivo lo hiciera delante de otras personas y sintió que se le terminaron las ganas de volver a escribir canciones. Pero como el ave fénix, se levantó y echó a volar desde sus propias cenizas, y para no alargarme, ya comentaré estos episodios en otra ocasión.
De su enorme talento como compositor pueden dar fe los éxitos de Porter Wagoner-The Cold Hard Facts Of Life (1967), Lefty Frizell-Saginaw Michigan (1964), Cal Smith-The Lord Knows I’m Drinking (1973), Conway Twitty-I May Never Get To Heaven (1979), además de una larga lista de éxitos obtenidos por otros muchos intérpretes.
Y ahora, escuchemos una canción que fue un nº 1 en 1967. Es un duo formado por Bill Anderson y Jan Howard (la que fue esposa de Harlan Howard) y la canción se llama “For Loving You”. Lo curioso de la misma es que refleja perfectamente el estilo narrativo al cantar de Bill Anderson y, sin embargo, no fue compuesta por el, sino por Steve Karliski. Se trata de un tema amoroso, naturalmente, y que termina con unas palabras tan melancólicas como “Never once will I ever regret having had the chance of loving you” (3180)
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TRACY LAWRENCE
Este tejano, de 41 años, sufrió, al principio de su carrera musical, un grave incidente que fue bastante traumático. Era el año 1991 y acababa de terminar la grabación de su primer álbum, Stickin And Stone, que llegó a ser un gran éxito en las listas (y el decir en las listas, significa éxito de ventas). El incidente se produjo cuando paseaba con su novia, camino del hotel cuando tres jóvenes le llegaron a disparar hasta 4 veces, y tardó en recuperarse pero pudo proseguir su carrera musical poco despuès.
Sin embargo, Tracy no tiene fama de buen comportamiento. En el año 1994 fue arrestado por conducta temeraria (hizo varios disparos al aire al sentirse ofendido por dos individuos), posesión de armas de fuego sin licencia y hacerse pasar por oficial de policía, con identificativos falsos, en el momento del arresto.
Lo peor fue que tres años mas tarde fue condenado por malos tratos a su esposa, Stacie Drew, y como consecuencia, su sello discográfico le suspendió el contrato hasta que hubo puesto en orden sus asuntos personales. Stacie Drew, fue cheerleader de los Dallas Cowboys, y en un fuerte altercado con Tracy, éste perdió los estribos y la golpeó empujandola contra la pared. El matrimonio se terminó muy pronto y la ruptura fue todo menos amistosa.
Pero recordemos también que Tracy no es ningún desconocido, pues si mal no recuerdo tiene 17 numeros 1 en las listas. Claro que es cierto que sus éxitos más importantes los consiguió en la década pasada, alcanzando los primeros puestos con temas como Sticks and Stones, Can’t Break It To My Heart, Alibis, My Second Home, etc., sin olvidarnos, por supuesto de su hit más importante, Time Marches On, en el año 1996, con una perfecta combinación le letra y música.
Se ha llegado a comentar, y tal vez con razón, que Tracy Lawrence es “poco country”, pero su voz lo es sin ninguna duda, ha ganado en madurez y lo cierto es que tiene de todo.
Ya en tiempos más recientes, es meritorio anotar que, por ejemplo, en el año 2007 consiguió llegar al nº 1 de las listas, nuevamente, con un tema de gran fuerza, Find Out Who Your Friends Are, nada menos que once años después de su mayor éxito hasta la fecha, el conocido Times Marches On.
Es mejor referimos al presente pues parece ser que afortunadamente esos malos tiempos ya pasaron y de su conducta ya no se derivan consecuencias que le afecten a su producción musical. Y además, es posible que le ayude el hecho de llevar siempre una Biblia en su equipaje, como dice el propio Tracy.
Muy recientemente, hace un par de meses, Tracy Lawrence bajo un sello discográfico de su propiedad, llamado Rocky Comfort, ha editado un álbum, llamado The Rock. Es un álbum que tiene un contenido un tanto religioso, sin ser calificado como gospel. De este álbum, tan solo ha escrito una canción, llamada “Dear Lord”, cuyas primeras palabras son “Lord you know that I’m no saint..” lo cual, sin ninguna duda, es una gran verdad. La canción es buena así que vamos a escuchar a Tracy Lawrence en su más reciente momento (3050).
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De este tejano, nacido en 1936, cantante, compositor y guitarrista, no se puede decir que lo mas destacable sea su faceta de intérprete (me refiero al aspecto musical, porque también ha protagonizado numerosas películas), aunque tuvo algunos grandes hits, como Why Me y Highwayman, pero su talento como compositor se eleva a las cotas más altas con canciones tan emblemáticas como Help Me Make It Through The Night – Sammi Smith, For The Good Times – Ray Price, Lovin’ Her Was Easier – Roger Miller, Me And Bobby McGee – Janis Joplin, Sunday Morning Coming Down – Johnny Cash, etc., todas ellas y otras que no señalo aquí, universalmente conocidas y con numerosas versiones de otros cantantes.
Y precisamente en esta ocasión, quiero destacar una de sus composiciones, especialmente, por la forma en que consiguió que Johnny Cash grabase su canción.
Kristofferson, que fue piloto militar, estaba trabajando como conserje en el mismo estudio de grabación en el cual hacía sus sesiones Johnny Cash.
Demostró su ingenio y audacia para conseguir sus propósitos cuando se está convencido de haber escrito un hit. Y lo que quería era que Johnny Cash pudiera conocer esa canción, pero lo complicado fue hacérsela llegar.
Para ello, se le ocurrió la siguiente solución: Consiguió de un amigote que conocía en la guardia nacional, que le prestara un helicóptero, con el cual sobrevoló el domicilio de Johnny. Cash recuerda esto diciendo que estaba durmiendo y su esposa June, le despertó con sobresalto avisándole que “algún loco ha aterrizado un helicóptero en tu jardín!”. Efectivamente, salió y era Kris. Este se bajó del helicóptero con una cinta-demo en una mano y una cerveza en la otra.
Tras la lógica sorpresa, Johnny Cash reaccionó diciendo: “Está bien, nadie podría llegar tan lejos así que escucharé tu canción”. Lo demás fue muy fácil, pues la canción Sunday Morning Coming Down supuso un nº 1 para Johnny Cash en el año 1970 y, también el autentico reconocimiento al talento escritor de Kris Kristofferson, todo un “hit-maker”.
Tuvo mucho éxito no solamente escribiendo y cantando canciones, sino que en el mundo del cine también le acompañó el éxito. Sin embargo, Kris Kristofferson no mantuvo esa línea de compositor y en cierta ocasión en que le preguntaron porqué no volvió a componer canciones tan maravillosas, respondió: “Es difícil escribir blues desde el asiento de atrás de un cadillac”.
Johnny y Kris llegaron a ser grandes amigos y grabaron algunos vinilos bajo el titulo de The Highwaymen, junto con Waylon Jennings y Willie Nelson.
Aquí recordaremos esa canción, que es todo un clásico del country, en la versión que hacen juntos actuando en directo. Desgraciadamente, ya no volverán a grabar juntos. (2908)
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Durante un tiempo, hubo un programa de TV en los Estados Unidos que se llamaba “El Estilo de Vida de los Ricos y Famosos”, por el que desfilaban estrellas del mundo de la canción y del espectáculo, que al dar a conocer públicamente sus envidiables casas y viviendas, sus llamativos automóviles, su forma de vida, etc., despertaban a los que veían ese programa lo que se llamaba el sueño americano, y con ello, el deseo de conseguir aquello que parece inalcanzable para la gente corriente.
Precisamente, hace unos días comentaba en el blog que en la casa-mansión de Dottie West se hizo uno de esos programas, lógicamente, antes de ser subastada por sus muchas deudas. Y también, como en el caso de Dottie, lo más frecuente de estos personajes, antes de ser ricos y famosos, era que habían vivido una historia de penuria y privaciones.
Entre las estrellas del country tal vez este hecho se ha dado en la mayoría de las ocasiones. Por ejemplo, Bobby Bare, intérprete de éxitos, en los años 60, tan señalados como Detroit City, 500 Miles Away From Home, The Streets Of Baltimore, Please Don’t Tell Me How The Story Ends, etc., en su caso, su familia estaba tan desesperada que se vieron en la necesidad de ceder a su hermana menor en adopción.
De forma similar, Roger Miller recordaba que “mi padre murió cuando tenía un año y mi madre no podia sacarnos a todos adelante, así que pensaba llevarnos a un orfanato. Sin embargo, los hermanos de mi padre, uno que viva en Arkansas, otro en Oklahoma y otro en California, vinieron a casa para llevarse cada uno a los muchachos, para criarlos. Yo fui con mi tío de Oklahoma, a un pueblo de 1.500 habitantes, incluidos rastrillos y tractores”. Roger Miller, que fue siempre muy ingenioso y con gran sentido del humor, dijo también que eran tan pobres que tenían que deletrear esa palabra con 5 <os>: pooooor!
Glen Campbell es otro de los que recuerda esos tiempos de privaciones, trabajando duro en los campos de algodón y compartiendo una cama litera con tres hermanos. Los mejores momentos de la semana era cuando llegaba la hora de escuchar el programa del Grand Ole Opry. Glen abandonó la escuela y su casa, fue conductor de un camión de recogida de basura y le tocó vivir las historias sobre las cuales se escriben muchas de las canciones de country. El propio Glen recuerda que cuando era un niño, su familia no tenía luz eléctrica, y sin embargo, posteriormente, llegó a ver su nombre luciendo en letras de neón más grandes que algunas de las casas donde creció.
También en cierta ocasión, Martina McBride (quien, por cierto, vendía camisetas en los conciertos de Garth Brooks), se refiere a los tiempos duros que le tocó vivir en su infancia y a eso se refiere al confesar que cuando era pequeña iba con su hermana a los pastos de la granja y traían las vacas para ordeñarlas.
Pero lo importante es el buen recuerdo musical que nos dejan estos personajes. Por ejemplo, Bobby Bare cantando su gran éxito de 1963, Detroit City, una excelente composición de Mel Tillis. También Glen Campbell (al margen de otras cosas), interpretando Take My Hand For Awhile, una maravillosa canción que me trae inolvidables recuerdos, compuesta por Buffy Sainte-Marie. Esta canción, aunque también la grabó George Hamilton IV allá por el año 68, no tuvo, tristemente, ninguna repercusión, pero en Caravana no pasó desapercibida, y por eso, recordamos bien este SD nº 1837.
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